"Carissimo Gualtiero,

Lo sapevo. Sapevo che il tuo nuovo post avrebbe necessitato di tempo da parte mia ed è per questo che sono venuto a “trovarti” in un momento di “calma relativa” in questa continua corsa della vita.

Tocchi un tasto assolutamente dolente per me Gualtiero in questo tuo scritto, come al solito lucido, passionale, meritevole di ben più di due letture. E ogni punto che tocchi è per me eco e rimbombo di quando già insieme ragionato e confrontato in altri lidi, virtuali e non.

Ritrovo insomma l’amico che conosco, con qualche spunto in più, di assoluta grandezza. Ma partiamo dall’inizio del tuo ragionamento: l’idea che un’opera d’arte debba possedere requisiti tali da poterne fruire più volte. Non mi puoi che trovare d’accordo: sai benissimo quanto ricerchi in ogni prodotto umano considerabile “arte” un substrato di rilevanza, un quid contenutistico, un’urgenza dell’autore dell’opera. Per questo ho fatto mia una frase d’un mio caro amico che pare ricalcata dalla tua: “[…]non è immaginabile un lavoro d’esegesi cinematografica che non si basi su almeno tre visioni del film, dato che, qualunque sia l’approccio che si sceglie, lo scopo dell’analisi è elaborare una sorta di “modello” del film - evidentemente in senso cibernetico e non normativo - e che per conseguenza, tale ricerca, non si attui che attraverso un tempo di riflessione, interiorizzazione, stasi.” Angelo scrisse questo pezzo pensando alla critica cinematografica e alla sua visione di questa stessa branca dell’analisi artistica e mi trova totalmente d’accordo. Come d’altra parte sono d’accordo con tutta la sua “premessa metodologica” da cui questa frase è stata tratta. Partendo da questo concetto arrivo dunque anche io a strutturare l’idea che l’arte deve essere portatrice di contenuti più o meno palesi e, naturalmente, più o meno accettabili da parte del fruitore dell’opera stessa. Questo perché sento anche io inaccettabile la perdita di tempo derivante dalla fruizione di una qualsivoglia opera d’arte che non mi rimandi ad un tale presupposto. Ma bisogna stare attenti: innanzitutto non posso pretendere di possedere la Verità riguardo ad una eventuale conoscenza del contenuto effettivo dell’opera d’arte ed in secondo luogo non bisognamai fossilizzarsi su un solo aspetto dell’arte, anche se questo viene considerato da me e da te come preponderante. So benissimo che ritieni la prima precisazione palese e la seconda pressoché nulla perché senza questo “aspetto” (quello contenutistico) a tuo avviso non esiste semplicemente arte (ma mero sfoggio di tecnica mi sembra di capire e spero di non fraintenderti troppo). Il problema di fondo però è che l’arte possiede quello straordinario dono d’essere “universalmente soggettiva” e cioè: di non poter essere apprezzata se non dopo uno studio sulla comprensione dei codici che l’opera stessa utilizza, ma quegli stessi codici parlano a noi in modi diversi, da persona a persona; senza contare che spesso lo studio sopra citato non fa altro che alterare le nostre predisposizioni facendoci giungere di fronte all’opera e vedendo in essa solamente i tanti libri letti e gli autori che, con essi, hanno tentato una comprensione della stessa.
E questo significherebbe fruire dell’arte? No carissimo, a mio avviso questa è una fruizione ingannatrice, portatrice solamente di preconcetti e pregiudizi sull’opera tali da prevaricare l’opera stessa. Di fronte al suo “specchio” (come tu straordinariamente dichiari) il soggetto chiamato a fruirne non vedrebbe né sé stesso né tanto meno l’opera menzionata, ma, mi ripeto, solamente ciò che ha letto su questa opera e sul suo autore. Un tradimento, bello e buono. E ancora: sei tu che mi insegni che ogni traduzione non è che tradimento, l’adattamento stupro e, a mio umilissimo avviso, ogni opera d’arte fruita è per questo un’opera d’arte stuprata.
Per questo e altri motivi che ben conosci (ritrovabili anche su queste mie poco elevate pagine web) che coniai a suo tempo il termine “Carità di Narciso” che tenta di spiegare ciò che per me (sottolineo per me) è l’opera umana riconducibile a tale termine: arte come completo abbandono dell’autore nell’opera stessa, del suo essere, del suo sentire e, successivamente, forse, in secondo luogo, il completo DONO di queste stesse sensazioni trasmutate in tecnica artistica ad un eventuale fruitore (il quale, attenzione, potrebbe anche non esistere)

Arte come abban-dono dunque.

Ed è in questo frangente che il tuo post mi risuona non completo, forse perché conosco quanto valore tu concedi alle intenzioni dell’autore della stessa opera d’arte e mi sembra giusto che tu lo faccia, ma il tuo scritto tende cadere così in una trappola soggettiva creata sia dalla tua affascinante filosofia in fieri, sia dal tuo lavoro di direttore di doppiaggio. L’arte è più grande di tutto, molto di più dell'uomo e quindi anche dell’autore stesso! Se un’opera si fermasse all’autore e alle sue intenzioni che arte sarebbe se non un’arte soggettiva, tremendamente autoreferenziale, essenzialmente spoglia di quel concetto difficile (e pressoché impossibile) di universalità riconosciuta ai “classici”?

In realtà Miyazaki non può spiegare i suoi film perché nemmeno lui puoi dirti quel che TU potrai acquisirne con la TUA fruizione. Cosa vuoi che ti dica? Il perché di quella tonalità di blu? Perché di quella scelta lessicale?! Che ti faccia la parafrasi della poesia, Cristo Santo?!?! Che tramuti pertanto la sua opera d’ingegno artistico in un mero trattatello di critica artistica di bassa lega?!

Ed eccoci finalmente ad un mio concetto cardine: l’arte DEVE essere uno specchio (ancora grazie per questa splendida immagine!) e DEVE poterci far ritrovare in essa. E per farlo necessita da parte dell’artista di uno straordinario sforzo di sublimazione delle sue emozioni e della sua urgenza comunicativa fondante, unita, d'altra parte, ad una coerenza interna in divenire dello stesso fruitore, che veda e  comprenda quindi la sua immagine all’interno della deformazione che l’opera d’arte attua alla stessa!

E per fare tutto questo non bisogna "conoscere" QUELL’opera d’arte o addirittura quell’autore (da considerarsi meno di zero una volta che egli ha VERAMENTE donato a noi la sua idea artistica!), ma in primis (e fondamentalmente) NOI stessi e i nostri  studi, visioni, filosofie, teologie, tensioni, urgenze. Dobbiamo conoscere l’artista che c’è in noi e creare una sorta di simbiosi (consapevole o meno) con quanto "universalmente" espresso dall’artista.

E si arriva dunque alle considerazioni sull'amore in parallelo all'arte e alla presunta verità che compresi fin troppo presto: “come fai ad amare un’altra persona se non ami te stesso?” e cioè “come puoi comprendere un’altra persona e se non ti sforzi nemmeno di comprendere te stesso?” e te stesso come lo comprenderai se non con un serio e costante dialogo/confronto con l’altro e con le sue comunicazioni?

E non siamo dunque giunti di nuovo alla comunicazione nell’opera d’arte? Si, ma con una nuova consapevolezza e cioè che quest’ultima deve fornirti di uno specchio dove poterti specchiare, ritrovare e dunque confrontare seriamente con quanto l’opera stessa ha da donarti.

Tutto questo grazie alla carità di un disadattato come di solito l’artista è.

Perché se l’artista è un Narciso, l’opera che egli ha creato è chiamata ad essere specchio dell’artista stesso in quel dato momento. Ma una volta donata l’opera è perduta perché sarà per sempre tradita, stuprata, violentata, sovra-interpretata. Ma se l’artista decide di donarsi agli altri lo deve fare completamente, ben sapendo di questo rischio, di questo destino. Non possiamo pretendere di vedere l’opera di questo artista cercando per essa l'artista stesso. Sarebbe un doppio tradimento e soprattutto l’offesa per uno dei più grandi atti d’amore di un essere umano: l’offerta di sé stesso dietro il paravento dell’arte. Bisogna confrontarci con quanto da lui donatoci e per farlo, in quello straordinario specchio che è l’arte, è fondamentale che IO ci sia. E devo essere sempre la figura più importante.

Essere artisti è difficile perché è un continuo dialogo con sé stessi verso la propria conoscenza.
Essere fruitori di arte è ancora più difficile perché è un continuo dialogo con sé stessi attra-verso la propria conoscenza in comunione (cristiana) con quella di un altro essere umano.
Essere uomini “coscienti” è impossibile, ma è la meta.

Grazie Gualtiero."

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In --- > arte

Non era Frank Zappa che disse: “un vero musicista saprebbe ascoltare una musica straordinaria all’interno di una fabbrica in funzione”? o quasi insomma… questo il sentire di musicista, ma di un ascoltatore? Beh, a mio avviso ogni musica ha una sua motivazione interna e l’ascoltatore deve essere almeno in grado di cogliere questa motivazione, per comprendere le PROPRIE motivazioni d’ascolto d’una musica.
Di solito, quasi sempre, le motivazioni interne alla musica pop/televisiva contemporanea sono di mero passatempo e credo che chiunque se ne renda conto, in modo conscio o inconscio. Naturalmente i produttori cercano in modo più o meno subdolo, più o meno riuscito, di nascondere questa banale motivazione, che però spessissimo si mostra alle orecchie dei più. Perchè oramai chiunque (anche il fan) è in grado di stabilire che Vasco non scrive un testo definibile tale da decenni e che i Negramaro sono una delle band più “leccate” in circolazione oggi giorno nel panorama italiano (ne ho la prova visto che mia moglie li ascolta e ogni volta che li ascolta mi dice: “non cominciare a farmi ricordare che queste belle melodie hanno anche dei testi perchè altrimenti mi viene da toglierli subito, ho voglia di questo rockettino mentre stiro!”, “certo certo cara…” ;).
Pertanto non è questione di innalzarsi a maestri e vati indicando con l’indice la via per la “vera musica” (non comprendendo quindi quel che Zappa diceva e cioè che un orecchio artistico sente musica ovunque!), bensì si far accorgere gli ascoltatori di una data musica che tale musica è un prodotto di un certo ragionamento che poco ha a che vedere con l’idea di un’arte comunicatrice d’affetti e/o di carità d’un narciso che è l’artista.
Bensì essa nasce, cresce e muore in un contesto giullaresco, di divertimento, di goliardia, di passatempo che probabilmente avrà poco futuro se non tanto quanto le battute migliori del miglior buffone di corte dei Gonzaga.
Una volta compreso questo, e cioè che la musica è tanto grande da poter ESSERE TUTTO QUESTO e anche ben altro, sta a noi decidere se davvero apprezziamo la musica per TUTTO quello che può dare oppure se apprezziamo solo un certo aspetto della musica, cercando naturalmente di non sminuire altri aspetti da noi non compresi o da noi esecrati.

Certo fa effetto sentir dire: “mi piace la musica” da uno che ascolta solo le radio commerciali, ma a mio avviso dovrebbe dar altrettanto fastidio leggere commenti come quelli di Roby. Il fatto che personalmente trovo la prima affermazione più difficile da perseguire della seconda mi fa capire quando anche io cada spesso nell’errore, nel tranello tutto umano dell’inutile sfida di contenere l’incontenibile e cioè contenere e giudicare un’arte rarefatta e divina come quella musicale.
Servirebbe forse un pò più di umiltà e soprattutto volontà di aprirsi, di comunicare all’altro le motivazioni che ci spingono ad amare UN lato della musica rispetto all’altro, senza fare i maestri, ma divendendo ARTISTI DI NOI STESSI, cioè sentendo l’urgenza in noi di parlare di noi e del nostro modo d’intendere l’arte e con essa la vita.

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 Voglio allargare il discorso e non fermarmi alla sola arte fotografica, ma farvi un esempio nel "mio" ambito, quello musicale.
Tutto quello che ascoltiamo è vero? Oramai neanche la musica classica in disco è in questo contesto considerabile "vera".
Leggere per credere:
http://www.videohifi.com/forum/topic.asp?ARCHIVE=&TOPIC_ID=58783

Capisco se dopo la lettura di siffatto documento molti di voi storceranno il naso: correzioni di note?! di intenzioni?! di tempo, intonazione, tagli, editing anche nella musica classica?!?! Diamo per scontato che oramai tutta la musica considerata leggera (tranne il jazz che però è "editato" per forza) è per i canoni di stefano "falsa". Se ne discuteva anche nell'incontro con emilio, valbi, roby, steff: oramai il rullante che si ascolta in radio è raramente quello registrato e se lo è è sommato ad un altro rullante trattato per esaltare certe caratteristiche. E non ditemi che "ai tempi dei beatles era altra cosa": loro erano i primi che avendo i soldi per farlo sfruttavano tutte le "nuove" tecnologie acustiche del tempo (esempio? la compressione parallela su drums e voci, che è un pò come aggiungere contrasto e saturare i colori in PS, se seguiamo il principio allora anche queste sono post-produzioni. ..). E ancora: diamo per scontato che la maggior parte degli album sono suonati da coloro che potremmo definire Ghost-musician, cioè coloro che non appaiono citati nell'album perchè magari è un album di un gruppo di ragazzini di diciotto anni che DEVONO sfondare. E diamo per scontato che le traccie suonate da questi ghost sono state COMUNQUE corrette ed editate per fare in modo che siano perfette.E ancora: diamo per scontato che il mixing stesso è fattore di "falsità". Ma sapete come suona una batteria acustica?!?! beh, non certo come oramai si è abituati ad ascoltarla. Dicevo: il jazz resta fuori. Vero, ma resta nei suoni che sono di solito "Live", ma per 60 minuti di musica si suonano circa 1 settimana di improvvisazioni per poi sceglere le parti migliori. Non è la stessa cosa quello che fa la musica classica? Si...

Insomma non esiste più la "vera" musica? Beh, i live... ma se poi si pensa che anche live ora si corregge l'intonazione in tempo reale, che i suoni della batteria sono quasi sempre campionati (e spesso si usa la
sopracitata parallel compression) , che quello che esce da un qualsiasi microfono passa da circa un camion di effetti, effettini, compressori, costruttori di transieti, exciter ecc ecc non ne sarei così sicuro.
Forse resiste la musica classica, ma ascoltata Live e nei luoghi per essa preposti.

Il problema è dunque è questo. La musica ha una dimensione "in più" creata in questi ultimi decenni: quella dello "studio" che ha affiancato la musica "live" da sempre l'unica esistente. La dimensione "studio" è oramai completamente "contaminata" da questa presunta falsità artistica (presunta eh!), quella live (solo alcune!!!) possono invece esssere ancora considerate "esenti". Ma per quanto?! Oramai ad esempio microfonano all'arena di Verona (l'udito umano ha perso negli ultimi decenni secondo molti studiosi!) e non voglio sapere che cosa combina il fonico... nel futuro?

Questo per la musica. Per la fotografia è possibile applicare una tale valutazione? Beh, mi affido a voi. A mio avviso non esiste nella fotografia una dimensione "live" a meno che non si facciamo performance "istantanee" con la Polaroid (ad esempio). La fotografia è studio della luce sulla forma (studio degli arrangiamenti) , pochi provini per l'esposizione migliore (pre-produzione sugli arrangiamenti), scatto tecnicamente ineccepibile (esecuzione di musicisti veri), correzione dello scatto, sbaglio o si può fare anceh in camera oscura? (editing della performace), post-produzione e stampa corretta (mixing, tecniche  di overcompressione, mastering finale). Qui il parallelo ci sta tutto.

Dunque falsità pura? In un certo senso si, ma secondo me NO. Semplicemente l'arte in questione si è AMPLIATA contenendo altre COMPETENZE in precedenza inesistenti o meno importanti. Questo ampliamento ha introdotto nuove figure che oramai affiancano l'artista: il Sound Engineer, il Mastering Engineer, l'arrangiatore, il produttore artistico, il tecnico di registrazione, il produttore esecutivo. Tutti collaborano affinchè il prodotto finale sia considerabile "capolavoro" o meglio sia vendibile nel mercato. Ora mi sto perdendo... comunque il discorso è davvero enorme e soprattutto affascinantissimo. Fatto sta che il problema della Post-produzione è che spesso INGANNA perchè può correggere eventuali errori di esposizioni oppure falsare quanto "osservato". Ma il problema è questo: la correzione non comporta delle competenze? Beh, non si hanno nella ripresa ma si hanno nella post-produzione quel che conta è il risultato a questo punto del cammino dell'arte!
Che cosa sarebbe una splendida canzone con dei suoni pessimi e arrangiamenti sbagliati? Una canzone rovinata.

E una pessima canzone con suoni e arrangiamenti straordinari? La merda che si ascolta ogni giorno per radio.
Il problema è che spesso manca proprio "il soggetto" dell'arte, l'urgenza di comunicare con quella forma artistica. Se questo c'è, tutto il resto quindi diviene percorso verso la giusta comunicazione.

Ma se non c'è volontà, bisogno, urgenza di comunicazione tutto quantio è solo INGANNO, che questo sia trattato o meno, che sia post-prodotto o meno. A mio avviso la falsità deriva totalmente dall'eventuale falsa intenzione iniziale dell'artista. Il resto è solo percorso atto a comunicare la vera urgenza creativa dello stesso.

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